古典艺术、现代艺术、当代艺术，除都作画，都雕塑，都用音符作曲发出声响外，本质上是三种不同的艺术，而这三种不同艺术的 “祖师爷” 都不一样：古典艺术的祖师爷是 “文艺复兴三杰”、巴赫、莫扎特、贝多芬；现代艺术的祖师爷是塞尚、凡・高、勋伯格；当代艺术的祖师爷则是杜尚、约翰・凯奇。

跟好朋友一起听过部分严伯钧老师讲述的《西方艺术课》，被严伯钧老师充满感召力的声音给吸引了，至于内容则多半是一知半解。这周阅读的《对立之美：西方艺术 500 年》解开了关于西方艺术的诸多疑惑，当然我也说不清楚是有顾衡老师的美术课做了铺垫，读这本书变得相对容易，还是读了《对立之美》，更加理解了顾衡老师在课程中关于时代之眼以及艺术演进脉络的讲述。“风格、主义名词和方法论都仅仅是我们理解艺术、享受艺术的工具，工具是用来解决问题的，人不应为了学习使用工具而使用工具” —— 对于严伯钧老师这句话深有感触，人们一开口如果不带几个主义和显得小众的名词，仿佛就显得低端似的，这应该是陷入了为了学习使用工具而使用工具的魔咒，其结果必然是把自个儿当成了一个工具；至少有几个疑问摆在面前：为什么要理解艺术？为什么要理解西方艺术？衣食住行应有尽有它不够吗？躺平它不香吗？ —— 艺术是综合了信仰、政治、文化、历史以及个人情趣的综合体，它与原始的巫术产生直接的联系，是关于幻觉、实在和体验的；衣食住行的背后是什么呢？或许是消费在作祟，然而更多的审美在支配，试问：躺平跟死掉又有什么本质的区别？如书名所言，严伯钧老师在谈论对立之美，至于是否有那么强烈的针锋相对，个人觉得是要打上一个问号。不可否认的是，对立的视角为理解艺术提供了一把标尺，比如书中提供的一些 “对立”：1）罗马人 vs 日耳曼人；2）天主教的外放 vs 新教的内省；3）意大利的个体 vs 德意志的整体；4）意大利的美术 vs 德意志的音乐；5）北方绘画的观察 vs 南方绘画的计算；6）科学 vs 神学； 7）广义的古典主义 vs 广义的浪漫主义（eg: 达芬奇 vs 米开朗琪罗；勃拉姆斯 vs 瓦格纳）8）局部 vs 整体； 传统 vs 创新；复杂 vs 简约... 严伯钧老师在每一个章节都使用了 xx 与 xx 的标题，便于寻找到这样一把标尺，也就是理解艺术和表现形式的工具：我猜想，人类的大脑是无法区分事物之间的过度的，所以喜欢制造对立或者对称感的，在极端之间跳动，时而创新，时而颠覆，这组成了热闹的人间啊朋友们。制造了这种对立感，再去看文艺复兴三杰的达芬奇和米开朗琪罗古典与浪漫的对立，是拉斐尔从中寻找到了支点；安格尔与德拉克罗瓦也是相似的古典与浪漫的争论；印象派与后印象派之间关于何为真实的表达；从文艺复兴时期到梵高，到现代艺术的各种流派：是整体到个体的不断演进，艺术家从社会的底层逾越到教会提供的神坛，从被支配的地位到主动的含蓄的自我的表达、狂热的自我展示、迷幻般的泼墨和释放，这是一条自我实现的路径，个人主义终于在经历了鲜血和挣扎之后站在了可支配的风口浪尖，或许人们对于社会的演进无动于衷，然而艺术家看到了、哲学家看到了、政客也看到了，自由民仿佛得到了被许诺的自由。明天就出门去看展了，居然有种要出去考试的感觉，怕是已经沦为了工具。顾衡老师加油，爱你哟。

在深入了解西方艺术史的同时，书中穿插了大量的雕塑、名画配图，辅以作者精致专业而又不失通俗的讲解，有助于提高读者的艺术鉴赏能力，而对艺术人物、艺术作品的独到见解，也为我们洞察特殊历史时期的艺术创作现象打开了眼界。